O espetáculo “Cacos para um vitral” é uma aspiração artística a partir do questionamento da direção: como criar uma obra teatral em que o ator/atriz e o espectador estejam suspensos pelo sentimento em toda duração do espetáculo? Há cinco anos, os artistas da Comum Unidade Oitão de Teatro pesquisam, de forma prática e teórica, na tentativa de responder a essa pergunta. Ao estrearmos o espetáculo, não temos nenhuma certeza de que o questionamento foi respondido, no entanto, todo o processo gerou muito trabalho e prazer na tentativa de utilizarmos a arte como ferramenta estética e de autoconhecimento. Nossa referência e inspiração inicial para respondermos a tal pergunta, se originou com a palestra em vídeo da poetisa mineira Adélia Prado, intitulada “O poder humanizador da poesia”, onde a poeta reflete que um dos caminhos possíveis para a humanização encontra-se no sentimento em que a arte verdadeira pode nos suscitar.

O processo de pesquisa e criação do espetáculo deu-se, intencionalmente, pela intuição. No início, optamos em realizar laboratórios de experiências e vivências cênicas com o desejo de exercermos a nossa criatividade e a própria intuição nos guiava diante de nossas escolhas. Durante algum tempo, abdicamos de estudos teóricos, deixando mais para o final do processo e, depois de cinco anos, com esse projeto, estamos dando sentido lógico à pesquisa.

Bebemos em várias fontes estéticas e filosóficas para composição das atuações e personas do espetáculo, desde práticas artísticas de processos colaborativos, o ator-performer, dramaturgia atoral, intervenções urbanas e a descoberta do nosso palhaço. Filosoficamente, refletimos os conceitos de afetos, experiência e intuição na perspectiva de Adélia Prado, J. L. Moreno, Manoel de Barros, Pina Baush, Gilles Deleuze, Spinoza, Jorge Larrosa Bondía, Maurice Merleau-Ponty, Sigmund Freud e João Francisco Duarte Jr., no intuito de fundamentar a pesquisa “O sentimento: a comum unidade da expressão”, esse estudo nos proporcionou conhecimentos e escolhas para darmos unidade à nossa representação e personas pelo viés da poesia cênica, pautado no sentir.

Após termos vivenciado e experimentado diversas formas de se fazer em nossa pesquisa, inclusive, questões particulares de grupo como lacunas dentro do processo, crises quase que infindáveis de atores e atriz, brigas homéricas por falta de dinheiro, por não estarmos produzindo no meio convencional, entrada de novos e desistência de integrantes, até haver um filtro natural daqueles que teriam que continuar na busca. No entanto, todos os desafios geraram possibilidades e saídas criativas para a concepção do espetáculo “Cacos para um vitral” título homônimo de um poema da autora Adélia Prado, que faz inferência a grande quantidade de material artístico fragmentado que nós criamos no decorrer da produção artística, no entanto, nossa intenção e intuição nos impulsionavam para darmos ao todo uma unidade.

Realizamos um mergulho profundo dentro e fora de nós, refletindo e expondo em sala de trabalho os nossos constrangimentos pessoais e sociais. Compomos pequenas cenas pelo viés da teatralidade e da performatividade, sem o auxílio da narratividade, mantendo a ação cênica, dramática como foco. Nesse ínterim, percebemos que uma das formas possíveis para respondermos a pergunta que deflagrou a criação do espetáculo: como criar uma obra teatral em que o ator/atriz e o espectador estejam suspensos pelo sentimento em toda duração do espetáculo? A resposta encontrava-se em algo que é comum a toda a humanidade: o sentimento do ridículo, e precisamente, naquilo que nos tira nossa liberdade, os constrangimentos pessoais e sociais.

 Na seqüência, sentimos a necessidade e, mais que tudo, a afinidade para eleger a poetisa mineira Adélia Prado e a atriz, pianista e cantora Cida Moreira como porta vozes da nossa narrativa. Recortamos, por identificação, fragmentos da obra poética e fonográfica de Adélia Prado e, também, da obra fonográfica de Cida Moreira. Em um trabalho artesanal: maceramos, peneiramos e extraímos o sumo de cada coisa, transformando-as em cena, fazendo surgir, assim, o registro de uma dramaturgia corpo/texto/musical que fala de todos e ao mesmo tempo de um só. Nesse contexto a narração toma uma forma, mas não um fim. Concebemos uma estória fragmentada e mutável, registro de uma experiência complexa e prazerosa.

A última etapa foi unir esses vários cacos para formar um vitral, ou seja, a encenação. Verificamos que para construção da dramaturgia, como estávamos falando de nossos afetos era preciso que cada cena selecionada para compor a fabulação tivesse sentido interior para cada um de nós e, que a estória fosse contada conforme as nossas escolhas intuitivas. Já que o nosso foco era o sentir gerado a partir dos constrangimentos, optamos em trabalhar para a criação da dramaturgia do espetáculo com a “Escala de Orientação Emocional” que se encontra no livro “Peça e Será Atendido”  de Abraham canalizado através de Esther & Jerry Hicks. Todo o material cênico produzido durante o processo foi acoplado e colado na Escala de Orientação Emocional, começando de baixo para cima, pelo medo, passando pela insegurança, culpa e desvalorização, desembocando na sobrecarga e o tédio, ressurgindo na esperança, paixão, amor, alegria, etc. A trajetória cênica vivenciada pelos atores e atriz é uma representação de questões de suas individualidades, mesmo estando as quatro personas em cena, elas pouco interagem, na maioria das vezes são solos, e o ator-atriz-performer tem no espectador seu comparsa para contracenar. Com essa escolha o público tornou-se para nós um espelho e vive-versa.

Ao expormos os nossos constrangimentos, vai de encontro ao nosso ego, à nossa sombra. O ato da exposição, com fins estéticos, nos confere brincar, rir e perceber o nosso ridículo com leveza gerando autoconhecimento. De modo, que toda a encenação é concebida no jogo entre luz e sombra, branco e preto. O cenário é composto pelo palco à italiana com suas coxias pretas que servirão de figurino e adereço durante o espetáculo, em contraponto temos o ciclorama e o linóleo branco onde se desenvolve a ação. O uso de talco e goma é um recurso metafórico que se transforma em água, areia, maquiagem, etc. O figurino é simples e todo branco: para os atores calça comprida e camisa de mangas longas, para a atriz vestido branco. O pensamento do figurino e maquiagem em branco nos possibilita o entendimento de algo lúcido e de transparências nas ações das personas. A iluminação é concebida com luz branca e criação de sombras em determinados espaços e cenas. A sonoplastia do espetáculo é uma fragmentação da obra fonográfica de Adélia Prado que gravou dois CDs recitando poemas de sua autoria, como também, fragmentos musicais da obra fonográfica da atriz, pianista e cantora Cida Moreira. Essas duas vozes compõem a dramaturgia cênica, tecendo junto com a ação física dos atores a narratividade do espetáculo, ora elas são personas invisíveis, ora pano de fundo sonoplástico.

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